I nuovi produttori tendono a inciampare sempre sulle stesse cose, e onestamente è abbastanza normale. Cose come alzare troppo i livelli, esagerare con gli effetti, o scoraggiarsi quando confrontano le loro tracce con artisti che fanno questo lavoro da anni – fa tutto parte del processo di apprendimento. Questi intoppi possono essere fastidiosi, ma sono solo parte dell’imparare il mestiere. Capire cosa va storto e come evitare questi problemi aiuta i produttori a migliorare più velocemente e a creare musica decente fin dall’inizio.
Buttarsi nella produzione musicale è come bere da un idrante antincendio perché c’è semplicemente troppa roba da capire. Imparare il software, capire come funziona l’audio, e trovare il proprio suono mentre si cerca di creare qualcosa che non suoni come spazzatura – è tantissimo. Quel divario tra quello che hai in testa e quello che esce dalle casse può essere piuttosto scoraggiante all’inizio.
La curva di apprendimento colpisce duro perché la produzione mescola competenze tecniche con roba creativa. Un minuto stai gestendo frequenze e impostazioni di compressione, quello dopo stai cercando di capire se qualcosa suona davvero bene. Molti principianti si perdono saltando tra video di YouTube, scaricando ogni plugin che riescono a trovare, e non padroneggiando mai davvero le basi.
Poi ci sono tutti i consigli contrastanti che circolano. Una persona dice di applicare il filtro passa-alto a tutto, un’altra dice che così rovini il mix. Tutte queste informazioni portano solo a rimuginare su tutto invece di fare davvero musica. Il fatto è che la produzione richiede tempo per diventare bravi – non è qualcosa che scatta dopo un paio di settimane di smanettamento.
Un cattivo gain staging è probabilmente il più grande pasticcio tecnico che fanno i nuovi produttori. Molte persone pensano che spingere tutto nel rosso lo faccia suonare meglio, ma crea solo distorsione e non lascia spazio per mixare davvero niente. Mantenendo i singoli canali con picchi intorno ai -12dB ai -6dB c’è un sacco di spazio con cui lavorare.
Impazzire con gli effetti è un’altra mossa classica. È tentante buttare riverbero su tutto o usare quel nuovo plugin luccicante su ogni traccia, ma troppi effetti rendono solo tutto fangoso e nascondono i veri problemi che devono essere risolti. Iniziare con tecniche di EQ appropriate e tagliare le frequenze problematiche prima di aggiungere effetti funziona molto meglio. Un segnale pulito e bilanciato batte sempre un pasticcio pesantemente processato.
Mixare ai livelli di volume sbagliati causa problemi anche. Alzare i monitor potrebbe far sentire bene, ma stanca velocemente le orecchie e dà una falsa impressione di come suona davvero il mix. Mixare a livello di conversazione, intorno ai 75-85dB, e fare pause regolarmente aiuta le orecchie a rimanere fresche e crea mix che suonano bene su sistemi diversi.
La maggior parte dei principianti spende tutto il budget in attrezzature e software ignorando completamente dove stanno effettivamente ascoltando. Ecco il punto però – una stanza trattata con monitor decenti batte sempre una stanza non trattata con casse costose. La stanza colora tutto quello che passa, aggiungendo risonanze strane e punti morti che rendono il mixaggio accurato praticamente impossibile.
C’è quest’idea che attrezzature costose significhino automaticamente risultati migliori, ma non funziona davvero così. La gente spende migliaia in monitor ma li mette nel posto sbagliato in una stanza senza trattamento. Il trattamento acustico di base, anche roba fai-da-te, può cambiare l’esperienza di ascolto più di qualsiasi upgrade di attrezzatura. Inizia trattando i punti di prima riflessione e gli angoli dove i bassi diventano strani.
Configurazioni di monitoraggio sbagliate creano mix che suonano fantastici in una stanza ma orribili ovunque altro. Se le casse sono troppo vicine alle pareti, posizionate in modo irregolare, o all’altezza sbagliata, il suono sta praticamente mentendo su quello che sta davvero succedendo. Posizionare le casse correttamente, creando un triangolo equilatero con il punto di ascolto, e un po’ di trattamento base della stanza fa una vera differenza nel riuscire a prendere decisioni che funzionano fuori dallo studio.
Non finire le tracce è probabilmente il più grande killer di produttività per i nuovi produttori. Iniziare con entusiasmo, buttare giù l’idea principale, poi rimanere bloccati a smanettare lo stesso loop di otto battute per sempre. Fissare scadenze e accettare che fatto batte perfetto aiuta a rompere questo ciclo. Dai a una traccia una settimana, poi vai avanti indipendentemente da come suona.
Rimanere bloccati nei loop succede perché è comodo continuare a perfezionare quello che c’è già invece di affrontare la sfida di arrangiare davvero una canzone completa. Rompere questa abitudine significa abbozzare una struttura completa della canzone proprio quando si inizia. Copiare l’arrangiamento da una traccia di riferimento va benissimo. Avere quella mappa rende molto più facile continuare ad andare avanti.
Complicare troppo gli arrangiamenti è un’altra trappola. I principianti spesso pensano che più elementi equivalgano a un suono più professionale, ma di solito è il contrario. Concentrati sul far contare ogni elemento invece di stratificare dozzine di suoni. Se non c’è uno scopo chiaro per qualcosa nel mix, probabilmente non deve esserci. Semplice e chiaro batte complesso la maggior parte delle volte.
Confrontare il proprio lavoro con produttori professionali che fanno questo da decenni è solo prepararsi alla frustrazione. La loro ultima uscita rappresenta anni di esperienza, più mixaggio e mastering professionali. Invece, confronta il lavoro attuale con quello che hai fatto sei mesi fa. Il progresso, non la perfezione, dovrebbe essere il metro di giudizio.
Aspettarsi risultati istantanei uccide la motivazione più velocemente di qualsiasi altra cosa. La produzione musicale è un mestiere che richiede anni per svilupparsi. Nessuno si aspetta di suonare la chitarra come un professionista dopo pochi mesi, quindi perché aspettarselo dalla produzione? Abbracciare il viaggio e celebrare le piccole vittorie, come finalmente capire come funziona la compressione o finire la prima traccia completa, rende il processo molto più piacevole.
La paura di condividere il lavoro tiene molti produttori isolati e impedisce di ottenere feedback preziosi. Le prime tracce non saranno perfette, ma nasconderle impedisce di imparare cosa connette davvero con gli ascoltatori. Condividere lavori in corso con amici fidati o comunità online potrebbe far male a volte, ma il feedback è inestimabile per la crescita.
Il percorso per diventare un produttore esperto è pieno di errori, ed è completamente normale. Concentrati sul padroneggiare i fondamentali come il gain staging e l’acustica della stanza prima di inseguire gli ultimi plugin. Sviluppa workflow che aiutino a finire le tracce, e mantieni aspettative realistiche sui progressi.
Ogni produttore professionale ha iniziato esattamente dove sono ora i principianti. Hanno fatto gli stessi errori, provato le stesse frustrazioni, e gradualmente costruito le loro competenze attraverso pratica costante. La differenza tra chi ha successo e chi si arrende non è il talento – è la persistenza e la volontà di imparare da ogni errore.
Che tu stia producendo in una camera da letto o considerando lo sviluppo professionale in strutture come Wisseloord, il viaggio riguarda il miglioramento continuo. Innumerevoli produttori hanno trasformato le loro competenze concentrandosi sui fondamentali attraverso programmi di accademia strutturati, rimanendo pazienti con se stessi, e non smettendo mai di perseguire l’apprendimento della produzione musicale. Ambienti collaborativi come camp e sessioni di scrittura possono anche accelerare l’apprendimento connettendo i produttori con mentori esperti e colleghi. Gli errori non sono fallimenti – sono pietre miliari per diventare il produttore che qualcuno vuole essere.
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