La maggior parte dei produttori conosce questa storia a memoria. C’è quella traccia che sta ferma nella DAW da mesi. La cassa suona un po’ stonata. Quel synth probabilmente avrebbe bisogno di un altro layer. Le voci necessitano solo di un pochino più di lavoro. Prima che qualcuno se ne accorga, il disco rigido è pieno di progetti che sono “quasi finiti” ma non riescono mai ad attraversare il traguardo.
Ecco la realtà: completare le tracce, anche quando non sono perfette, insegna molto di più sulla produzione musicale che ritoccare all’infinito le stesse otto battute. Quando le persone imparano la produzione musicale, di solito capiscono abbastanza velocemente che la vera crescita avviene quando si spinge fino alla fine, non quando ci si ossessiona su ogni piccolo dettaglio.
Il perfezionismo nella produzione musicale si manifesta ovunque. Alcuni produttori passano ore ad aggiustare le curve EQ di piccolissime quantità, convinti che i 2,3 kHz debbano essere tagliati di esattamente 1,2 dB invece di 1,1 dB. Altri finiscono con quindici versioni della stessa linea di basso, ognuna leggermente diversa ma nessuna che suona proprio giusta.
Questo ritoccare infinito di solito deriva da preoccupazioni più profonde. E se alla gente non piace? E se altri produttori notano che la compressione sui charleston non è proprio a posto? E se questa traccia non corrisponde alla visione che qualcuno aveva in testa? Questi pensieri creano un loop dove niente sembra mai finito perché niente sembra mai abbastanza buono.
La psicologia dietro questo è abbastanza semplice ma potente. Il cervello inganna le persone facendole pensare che solo un altro aggiustamento farà scattare tutto. Ma ecco cosa succede realmente: si perde la prospettiva. Dopo aver sentito lo stesso loop centinaia di volte, diventa impossibile dire se suona meglio o peggio. La traccia non viene migliorata; viene solo cambiata.
Molti produttori hanno gigabyte di progetti che non vedono mai la luce del giorno. Queste non sono tracce cattive – sono solo vittime del pensare troppo. La paura del giudizio le tiene rinchiuse, a raccogliere polvere digitale mentre i produttori si dicono che le finiranno “quando saranno pronte”.
Succede qualcosa di abbastanza bello quando qualcuno decide che una traccia è finita e preme esporta. Prima di tutto, completano un ciclo di produzione completo, dall’idea iniziale al master finale. Questo processo insegna lezioni preziose sull’arrangiamento, le transizioni e come sviluppare idee in canzoni complete.
Ogni traccia finita costruisce fiducia. I produttori iniziano a fidarsi di più delle loro decisioni perché le hanno portate a compimento. Quel suono di synth traballante di cui non erano sicuri? Potrebbe diventare la loro firma. Il pattern di batteria che pensavano fosse troppo semplice? Agli ascoltatori potrebbe piacere il suo groove.
I portfolio crescono con ogni uscita, creando una cronologia dello sviluppo come produttore. Guardare indietro alle tracce di sei mesi o un anno fa mostra i progressi in modi che i progetti incompiuti non potrebbero mai fare. I miglioramenti nel mixaggio diventano ovvi, il sound design diventa più sofisticato, gli arrangiamenti diventano più interessanti.
Più importante, gli ascoltatori reali forniscono feedback. Questo feedback è oro per chiunque voglia imparare seriamente la produzione musicale. Rivela cosa si connette con le persone, cosa cade nel vuoto e cosa sorprende diventando la parte preferita di qualcuno. Queste informazioni sono impossibili da ottenere da tracce che stanno sui dischi rigidi.
I produttori professionali hanno flussi di lavoro che si concentrano sul completamento. Stabiliscono scadenze chiare per ogni fase della produzione. Due giorni per l’idea iniziale e l’arrangiamento. Un giorno per il sound design. Tre giorni per il mixaggio. Queste non sono regole rigide, ma creano slancio.
Stabiliscono anche cosa significa “abbastanza buono” per elementi diversi. Non ogni suono deve essere perfetto. Il rullante nel secondo verso che suona quattro volte? Non ha bisogno della stessa attenzione del hook principale. Questo non significa essere pigri; significa concentrare l’energia dove conta di più.
Le tracce di riferimento giocano un ruolo importante nel mantenere la prospettiva. Quando si è immersi nella produzione, confrontare il lavoro con musica rilasciata professionalmente aiuta a resettare le orecchie. È un promemoria che anche le tracce preferite hanno imperfezioni. Quella voce che suona leggermente nasale? Quella cassa che è un tocco troppo forte? Sono anche nella musica pubblicata, e a nessuno importa perché la canzone funziona nel suo insieme.
| Fase di produzione | Allocazione del tempo | Criteri “abbastanza buono” |
|---|---|---|
| Idea iniziale | 1-2 giorni | Melodia/groove principale stabilito |
| Arrangiamento | 2-3 giorni | Struttura chiara, tutte le sezioni presenti |
| Sound design | 1-2 giorni | Elementi principali rifiniti, suoni di supporto funzionali |
| Mixaggio | 2-3 giorni | Bilanciato, chiaro, serve la canzone |
| Ritocchi finali | 1 giorno massimo | Nessun problema importante, sembra completo |
Capire che la perfezione è soggettiva aiuta molto. Quello che suona perfetto a una persona potrebbe sembrare sovraprodotto a qualcun altro. Quello che sembra troppo grezzo potrebbe essere esattamente l’atmosfera che un altro ascoltatore ama. La musica è arte, non matematica.
La regola delle due settimane funziona bene per molti produttori. Inizia una traccia di lunedì, e deve essere finita entro il lunedì della settimana successiva. Questo crea urgenza e forza il prendere decisioni. Non riesci a decidere tra due linee di basso? Scegline una e vai avanti. La scadenza decide.
Creare responsabilità aiuta anche. Dì a un amico di mandargli una traccia finita entro venerdì. Unisciti a una sfida di produzione con scadenze. Collabora con qualcuno che non permetterà revisioni infinite. La pressione esterna, quando è positiva e di supporto, spinge oltre le zone di comfort.
Concentrati sul quadro generale piuttosto che sui piccoli dettagli. Chiediti: questo cambiamento serve la canzone, o sto solo armeggiando? Se la differenza non può essere sentita immediatamente quando si bypassa un effetto, probabilmente non è necessaria. Se serve mettere in solo una traccia per sentire quello che si sta aggiustando, gli ascoltatori non lo noteranno nel mix completo.
Sviluppa una mentalità dove ogni traccia è un trampolino di lancio, non un capolavoro. La prossima traccia sarà migliore grazie a quello che è stato imparato da questa. Quella dopo sarà ancora migliore. Questa progressione avviene solo quando si finisce e si va avanti, non quando si lucida la stessa idea per sempre.
Prova questo esercizio: imposta un timer per un’ora e prendi quante più decisioni possibili. Scegli quel rullante. Impegnati con quella impostazione di riverbero. Decidi su quell’arrangiamento. Quando il timer suona, quelle decisioni sono definitive. È sorprendente quanto progresso avviene quando si smette di mettere in dubbio se stessi.
Ricorda, ogni produttore ammirato ha rilasciato tracce che farebbero diversamente ora. Sono andati avanti comunque, ed è per questo che sono migliorati. Il lavoro iniziale degli artisti preferiti probabilmente ha problemi di mixaggio, problemi di arrangiamento o scelte di suono che cambierebbero oggi. Ma quelle uscite imperfette hanno insegnato loro quello che dovevano sapere per creare la musica che la gente ama ora.
Il percorso per diventare un produttore abile non passa attraverso la perfezione; passa attraverso il completamento. Ogni traccia finita insegna qualcosa di nuovo, costruisce fiducia e avvicina al trovare un suono unico. Che si lavori da soli o si partecipi a camp collaborativi e sessioni di scrittura, la chiave è abbracciare il processo di apprendimento. Molti produttori scoprono che ambienti di apprendimento strutturati, come quelli offerti all’accademia di produzione, aiutano a sviluppare la disciplina per finire le tracce in modo consistente. Quindi prendi quel progetto che è stato ritoccato per mesi, prendi alcune decisioni finali e consideralo fatto. Il te stesso del futuro ne sarà grato, e a Wisseloord questo viaggio è compreso perché sono stati visti innumerevoli artisti crescere abbracciando il progresso invece della perfezione.
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