Ogni songwriter ha questa cosa riguardo al trovare la propria voce – quel qualcosa di speciale che fa risaltare la loro musica dalla massa. Che qualcuno stia appena iniziando o scriva canzoni da anni, sviluppare uno stile personale è ciò che trasforma canzoni decenti in quelle che la gente ricorda davvero. È quello che separa le canzoni che funzionano e basta dalla musica che colpisce veramente le persone nel profondo.
Pensate per un momento agli artisti preferiti. La maggior parte delle persone riesce a riconoscere le loro canzoni abbastanza velocemente, non solo dalla loro voce ma da come mettono insieme le melodie, scelgono le parole e trasmettono le emozioni. Questo è quello che succede quando un songwriter trova il proprio ritmo. La cosa bella è che tutti hanno già quello che serve per sviluppare la propria voce – è solo questione di capire cosa sia e lavorarci sopra.
Una voce compositiva nasce da tutto quello che rende qualcuno ciò che è. Viene plasmata dalla musica che ha sentito crescendo, dalle cose che ha vissuto e da come si esprime naturalmente. Alcuni scrittori sono bravi a creare queste immagini vivide con le parole, mentre altri hanno semplicemente questa capacità di scrivere melodie che si fissano nella testa della gente.
Le esperienze personali hanno un grande impatto sullo stile di scrittura. Magari qualcuno tende a scrivere di relazioni con un po’ di umorismo buttato dentro, oppure è attratto da testi più riflessivi sulla crescita come persona. Queste non sono scelte casuali – sono solo riflessi di chi è qualcuno e di come vede le cose.
Anche le influenze musicali contano molto. Qualcuno che è cresciuto con la musica folk potrebbe naturalmente propendere verso la narrazione nei suoi testi. Se l’hip-hop era più la sua cosa, il ritmo e i giochi di parole intelligenti potrebbero essere quello che guida il suo stile. Il trucco è individuare questi schemi nel lavoro e capire quali vale la pena sviluppare di più.
I bravi songwriter spesso hanno queste cose caratteristiche che rendono riconoscibile il loro lavoro. Le melodie allegre di Paul McCartney, l’approccio poetico di Leonard Cohen, o il modo di Taylor Swift di far sembrare i testi una conversazione – hanno tutti trovato la loro strada. Non hanno copiato altre persone; hanno semplicemente amplificato quello che sentivano naturale per loro.
Guardare indietro alla storia musicale può aprire alcune possibilità creative interessanti. Aiuta fare una lista delle canzoni che sono rimaste nel tempo. Cosa c’era in loro che ha fatto presa? Era l’emozione cruda, i giochi di parole intelligenti, o magari alcuni cambi di accordi inaspettati?
Quando si controllano gli artisti preferiti, è meglio concentrarsi sul capire le loro tecniche piuttosto che cercare di copiare il loro suono. Se la narrazione di Bob Dylan è attraente, ha senso guardare come costruisce la tensione nelle sue narrazioni. Se l’interpretazione emotiva di Adele è commovente, esaminare come abbina i testi con la melodia per creare quei momenti potenti può essere illuminante.
Anche le convenzioni di genere offrono molta ispirazione. Capire le regole aiuta a sapere quando e come infrangerle efficacemente. La musica country tradizionalmente racconta storie, ma cosa succede quando quell’approccio narrativo viene applicato alla musica elettronica? Il jazz enfatizza l’improvvisazione, quindi come potrebbe funzionare quella spontaneità nella scrittura pop?
Vale la pena prestare attenzione ai ricordi musicali dell’infanzia. Le ninne nanne che cantavano i genitori, le canzoni dei film preferiti, persino i jingle pubblicitari – tutte queste prime esperienze musicali plasmano gli istinti creativi. Scavare in questi ricordi può portare ad alcune idee sorprendentemente originali.
Sviluppare lo stile richiede pratica costante, proprio come imparare uno strumento. La scrittura di oggetti è un buon punto di partenza. Scegliete qualsiasi oggetto nelle vicinanze e scriveteci sopra per dieci minuti di fila, concentrandovi su come appare, suona, si sente, odora o sa. Questo allena il cervello a trovare angoli interessanti sulle cose quotidiane.
I testi a flusso di coscienza possono aiutare a sbloccare una voce autentica. Impostate un timer per cinque minuti e scrivete qualsiasi cosa venga in mente senza fermarvi o modificare. È abbastanza sorprendente quale materiale onesto e crudo esce quando il critico interiore si prende una pausa.
Tenere un diario delle melodie sul telefono funziona bene anche. Ogni volta che spunta una melodia, canticchiatela semplicemente in un memo vocale. Nel tempo, iniziano a mostrarsi schemi nelle scelte melodiche che rivelano le preferenze di stile naturali.
| Tipo di Esercizio | Tempo Richiesto | Beneficio Principale |
|---|---|---|
| Scrittura di Oggetti | 10 minuti | Sviluppa abilità descrittive |
| Flusso di Coscienza | 5 minuti | Sblocca la voce autentica |
| Diario delle Melodie | 2 minuti | Cattura idee spontanee |
| Esperimenti di Accordi | 15 minuti | Espande il vocabolario armonico |
| Scrittura a Tempo | 20 minuti | Costruisce resistenza creativa |
Sperimentare con progressioni di accordi fuori dalla zona di comfort può essere utile. Se qualcuno di solito scrive in tonalità maggiori, passare una settimana lavorando solo in minore può essere interessante. Se le triadi di base sono la scelta abituale, esplorare accordi di settima o accordi sospesi potrebbe funzionare. Questi esperimenti spingono i confini e spesso portano a momenti di svolta.
Ogni songwriter incontra quei momenti quando niente sembra abbastanza buono. Scrivere una riga, poi confrontarla immediatamente con il lavoro di un artista preferito e sentirsi inadeguati è abbastanza comune. Questa cosa del confronto uccide più canzoni di qualsiasi altra cosa.
Vale la pena ricordare che anche gli eroi musicali hanno scritto molte canzoni mediocri – semplicemente non le hanno pubblicate. Il perfezionismo spesso nasconde la paura, la paura che una voce autentica non sia abbastanza interessante. Ma ecco il punto: la prospettiva di ognuno è unica per definizione. Nessun altro ha vissuto esattamente la stessa vita o processato le esperienze nello stesso identico modo.
La collaborazione può davvero aiutare con l’insicurezza. Lavorare con altri fornisce feedback immediato e aiuta le persone a vedere i loro punti di forza attraverso occhi freschi. A volte un co-scrittore si entusiasma per un’idea che stava quasi per essere buttata via, il che rivela punti ciechi nell’autovalutazione. I camp e le sessioni di scrittura possono fornire ambienti collaborativi strutturati dove i songwriter si spingono a vicenda ad esplorare nuovi territori creativi.
Creare un circuito di feedback con amici musicisti fidati funziona bene. Condividere demo grezze regolarmente, non produzioni rifinite, normalizza il processo creativo disordinato e aiuta ad abituarsi all’imperfezione come passo necessario verso il miglioramento.
Registrare canzoni, anche come semplici demo, accelera parecchio lo sviluppo. I memo vocali catturano la scintilla iniziale, ma prendersi il tempo per registrare demo appropriati mostra come le idee si traducono dall’immaginazione alla realtà.
Riascoltare le registrazioni con orecchio analitico aiuta molto. Quali temi continuano a comparire nei testi? Ci sono certe progressioni di accordi o schemi ritmici che continuano ad apparire? Questi elementi ricorrenti non sono incidenti – sono i mattoni di un suono caratteristico.
Anche gli esperimenti di produzione possono plasmare lo stile. Provate a registrare la stessa canzone con arrangiamenti diversi: acustico spoglio, band completa, produzione elettronica. Ogni versione insegna qualcosa sulla composizione di base e quali stili di produzione funzionano meglio con la visione musicale.
Tenere un diario compositivo insieme alle registrazioni ha senso. Annotate cosa ha ispirato ogni canzone, qual era l’obiettivo e come si sente il risultato. Nel tempo, questo crea una mappa stradale dell’evoluzione artistica, aiutando a sviluppare consapevolmente gli elementi che sembrano più autentici.
Costruire una carriera nella composizione significa abbracciare il viaggio della scoperta di una voce. Non si tratta di forzare uno stile o copiare quello che funziona per altri. Si tratta di prestare attenzione a quello che fluisce naturalmente, poi sviluppare consapevolmente quegli istinti in un’identità artistica riconoscibile. L’apprendimento strutturato attraverso un programma di accademia può fornire la base tecnica e il mentoring necessari per accelerare questo sviluppo artistico. A Wisseloord, capiamo che il percorso di ogni songwriter è diverso, e trovare quella voce è probabilmente la parte più gratificante di tutto il viaggio creativo.
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