Non esiste un modo giusto o sbagliato per affrontare questa questione. Entrambi gli approcci funzionano bene per diversi autori, e molte grandi canzoni sono nate seguendo l’una o l’altra direzione. Alcune persone trovano il loro ritmo lavorando prima con le parole, mentre altre hanno bisogno di fissare la melodia prima che tutto il resto prenda forma. Si tratta davvero di capire cosa risulta naturale per il proprio flusso creativo.
Ogni cantautore si imbatte prima o poi in questa domanda, e può sembrare di trovarsi bloccati a un bivio. Il fatto è che entrambi i percorsi possono portare a canzoni solide – semplicemente prendono strade diverse per arrivarci. Alcuni dei brani più amati sono nati come poesie o pensieri lirici casuali, mentre altri hanno avuto origine da melodie che qualcuno canticchiava in macchina.
Ciò che è interessante di questa scelta è come modella l’intero processo creativo. Quando si inizia con le parole, c’è una base narrativa da cui partire, permettendo alla storia di guidare la direzione della musica. Iniziare con la melodia significa seguire prima un filo emotivo, poi trovare parole che si accordino con quelle vibrazioni. Nessun modo è migliore dell’altro – sono semplicemente strumenti diversi nella cassetta degli attrezzi del cantautore.
La cosa bella dello scrivere canzoni è quanto possa essere flessibile. Qualcuno potrebbe essere un autore che parte dalle parole per le canzoni più lente ma trovarsi a canticchiare melodie quando lavora su qualcosa di più vivace. Molti autori notano che le loro preferenze cambiano a seconda dell’umore, del progetto che stanno affrontando, o persino dell’orario in cui stanno creando.
Scrivere prima le parole mette il testo al centro di tutto. Quelle parole diventano il progetto, con il loro ritmo naturale e flusso che indicano verso schemi melodici. Come vengono strutturate le frasi, dove cade l’enfasi, e come si spezzano le righe – tutto ciò influenza la forma musicale che viene dopo.
Questo approccio funziona bene per gli autori che pensano in storie o hanno qualcosa di specifico da dire. Quando c’è un messaggio che deve uscire, iniziare con le parole aiuta a chiarirlo prima di aggiungere strati musicali. Il peso emotivo di quelle parole guida poi le scelte melodiche, assicurandosi che la musica serva il messaggio invece di combatterlo.
C’è qualcosa di liberatorio nel concentrarsi solo sulle parole senza preoccuparsi dei limiti musicali. Giocare con il linguaggio diventa più facile, sperimentando modi diversi di dire le cose, davvero perfezionando ciò che deve essere comunicato. Una volta che le parole sembrano giuste, trovare una melodia spesso sembra come scoprire qualcosa che era destinato a essere lì fin dall’inizio.
Iniziare con la melodia attinge all’istinto musicale puro. Significa lavorare con l’emozione nella sua forma più diretta, creando frasi musicali che esprimono sentimenti prima ancora che ci siano parole per descriverli. Questo approccio spesso porta a ritornelli più orecchiabili e memorabili perché la melodia non è limitata da schemi sillabici esistenti.
I musicisti che suonano strumenti spesso si orientano naturalmente verso questo metodo. Quando si sperimenta con la chitarra o il pianoforte, le idee melodiche fluiscono semplicemente. Queste frasi musicali portano la loro impronta emotiva, suggerendo certi stati d’animo o storie che le parole possono poi portare in vita. È come se la melodia ti stesse dicendo di cosa vuole parlare.
Un altro vantaggio è che scrivere partendo dalla melodia spesso crea canzoni musicalmente più interessanti. Senza essere legati a schemi di parole specifici, c’è libertà di esplorare intervalli interessanti, ritmi inaspettati e fraseggi creativi. Il trucco allora diventa trovare parole che si adattino naturalmente senza infilarle in punti scomodi.
I cantautori professionisti raramente si attengono a un solo metodo. Hanno imparato a leggere la situazione, sia letteralmente che creativamente. Se stanno co-scrivendo con un paroliere, potrebbero concentrarsi sulla melodia. Se stanno lavorando con un produttore di basi, le parole potrebbero avere la priorità. Il punto di partenza spesso dipende da qualsiasi ispirazione colpisca per prima.
Molti professionisti nella loro carriera di cantautori sviluppano un approccio a cassetta degli attrezzi. Potrebbero iniziare con un titolo o una frase gancio, poi decidere se svilupparla liricamente o melodicamente basandosi su come si sente. Alcuni tengono quaderni separati per le idee liriche e memo vocali per le melodie, attingendo da entrambe le collezioni a seconda di ciò che il progetto richiede.
L’esperienza insegna la flessibilità sopra ogni cosa. Gli autori professionisti sanno che forzare un particolare metodo quando non funziona significa solo chiedere frustrazione. Hanno imparato a cambiare marcia a metà canzone se necessario, magari iniziando con le parole per la strofa ma passando al metodo melodia-prima per il ritornello. Questo approccio adattabile mantiene il flusso creativo in movimento e previene il blocco.
Bloccarsi fa parte del processo di scrittura delle canzoni, non è un segno che qualcosa non va. Quando le parole non si adattano alla melodia o la melodia sembra forzata attorno alle parole, è tempo di risolvere creativamente il problema. A volte la soluzione migliore è allontanarsi brevemente, poi tornare con orecchie fresche.
Una tecnica che funziona è abbandonare temporaneamente il punto di partenza originale. Se iniziare con le parole ha colpito un muro, prova a canticchiare sillabe senza senso sulla melodia per trovare nuovi schemi ritmici. Se hai iniziato con la melodia, prova a scrivere parole completamente nuove senza cercare di adattarle alla musica, poi vedi se emergono connessioni inaspettate.
Un altro approccio è spezzare la canzone in pezzi più piccoli. Forse le parole della strofa funzionano perfettamente ma il ritornello ha bisogno di un rifacimento melodico completo. O forse la melodia è solida ma ha bisogno di parole più semplici e dirette. Va bene tenere ciò che funziona e reimmaginare ciò che non funziona, piuttosto che buttare via tutto per frustrazione.
Il metodo ideale per scrivere canzoni è unico come un’impronta digitale. Alcuni autori scoprono di essere naturalmente pensatori verbali che hanno bisogno di parole per ancorare le loro idee. Altri trovano che le melodie parlino loro più chiaramente di qualsiasi linguaggio. La chiave è sperimentare abbastanza per riconoscere schemi e preferenze personali.
Costruire una carriera sostenibile nella scrittura di canzoni significa sviluppare flessibilità onorando i propri punti di forza. Qualcuno potrebbe essere principalmente un autore che parte dalle parole e occasionalmente riceve fulmini melodici, o viceversa. Abbracciare entrambe le possibilità ha senso. Più strumenti sono disponibili nell’arsenale creativo, più si è preparati per diversi progetti e collaborazioni.
Gli ambienti professionali comprendono questa necessità di flessibilità. Al Wisseloord, innumerevoli autori hanno scoperto nuovi aspetti della loro creatività avendo lo spazio e il supporto per sperimentare con approcci diversi. Che si tratti di creare testi in una stanza di scrittura silenziosa o di trovare melodie al pianoforte, avere l’ambiente giusto può fare tutta la differenza nello sbloccare il pieno potenziale come cantautore. Molti autori beneficiano anche dell’apprendimento strutturato attraverso l’accademia o esperienze collaborative ai camp e sessioni di scrittura.
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