Chaque auteur-compositeur fixe cette même page blanche, mais d’une manière ou d’une autre, certaines personnes finissent par créer des chansons qui leur ressemblent tout simplement. Qu’une personne débute dans l’écriture de chansons ou qu’elle cherche à perfectionner ses compétences, comprendre ce qui rend sa voix musicale différente est assez difficile mais cela en vaut totalement la peine. Il ne s’agit pas de copier une formule ou de faire ce qui a fonctionné pour d’autres personnes. Il s’agit de trouver cette perspective qui ne vient que d’une seule personne.
Trouver une voix en tant qu’auteur-compositeur va bien au-delà de l’écriture de paroles qui riment ou de mélodies qui restent dans la tête des gens. Il s’agit de construire une identité créative qui montre qui est quelqu’un, ce qu’il a vécu et comment il regarde le monde. Tout cela demande du temps, de la patience et beaucoup d’essais de choses différentes, mais le résultat est réel : des chansons qui semblent authentiques et qui touchent vraiment les gens.
La voix d’un auteur-compositeur provient d’un mélange de choses que personne d’autre ne peut copier. Les expériences de vie, la musique qui a marqué pendant l’enfance, et simplement la façon naturelle dont quelqu’un exprime ses sentiments se mélangent pour créer quelque chose qui lui appartient complètement. Ce n’est pas quelque chose qui peut être simulé ou forcé. Cela arrive simplement quand quelqu’un arrête d’essayer de ressembler à ses héros et commence à embrasser ce qui le rend différent.
Les expériences personnelles façonnent cette voix de manière importante. Les relations, les endroits où quelqu’un a vécu, même les conversations aléatoires entendues dans les cafés nourrissent toutes cette perspective créative. Les influences musicales comptent aussi, mais pas de la façon dont la plupart des gens pensent. Il ne s’agit pas de copier les artistes préférés. Il s’agit plutôt de comprendre pourquoi certaines chansons frappent fort et de trouver une façon personnelle de créer ce même impact émotionnel.
L’écriture de chansons authentique la plus vraie se produit quand quelqu’un arrête de s’inquiéter de ce que les autres pourraient penser et écrit simplement depuis un endroit honnête. Cela ne signifie pas que chaque chanson doit être comme lire le journal intime de quelqu’un, mais cela signifie laisser cette perspective authentique transparaître. Quand on écrit sur des choses communes comme l’amour, la perte ou l’espoir, ce point de vue unique transforme ces expériences quotidiennes en quelque chose de frais et d’intéressant.
Transformer les choses de la vie en bonnes chansons demande à la fois d’observer et de réfléchir. Tenir un journal aide, pas seulement pour les grands moments mais pour les observations quotidiennes. Cette dispute entendue dans le bus, la façon dont la lumière du matin semblait sur la table de cuisine, ou ce que l’on a ressenti en retrouvant un vieil ami – ces petits moments ont souvent les ingrédients de grandes chansons.
Quand on fouille dans les expériences pour du contenu lyrique, il aide de chercher les éléments universels dans l’histoire personnelle. Une histoire spécifique sur le fait d’être licencié pourrait toucher quiconque a fait face à l’incertitude. L’astuce est de trouver la vérité émotionnelle au centre d’une expérience et de l’exprimer pour que les autres puissent s’y identifier. Cela ne signifie pas être vague ou générique. Souvent, plus les détails sont spécifiques, plus une chanson devient universelle.
Voici quelques façons pratiques de transformer les expériences en paroles :
Chaque auteur-compositeur traverse ces moments où les mots ne viennent tout simplement pas ou quand tout ce qui est écrit semble affreux. Ces blocages créatifs viennent souvent de la comparaison avec les autres, de l’établissement de standards impossibles, ou de la peur de la vulnérabilité. Le truc de la comparaison est particulièrement dur à l’ère des réseaux sociaux, où il semble que tout le monde d’autre crée constamment des trucs brillants.
Le perfectionnisme tue plus de chansons que les mauvaises idées ne pourraient jamais le faire. Quand on développe une voix, la quantité bat la qualité. Écrire de terribles chansons fait partie du processus. Écrire des chansons clichées. Écrire des chansons qui font grincer des dents. Chacune enseigne quelque chose sur le métier et rapproche quelqu’un de trouver sa voix authentique. Ces auteurs-compositeurs admirés ont écrit des centaines de chansons que personne n’entendra jamais parce qu’elles n’étaient pas assez bonnes pour être partagées.
L’auto-compassion fonctionne comme une arme secrète contre les blocages créatifs. Se traiter comme un bon ami qui lutte avec son écriture fait une différence. La pratique régulière aide aussi, même quand l’inspiration ne se montre pas. Réserver du temps pour l’écriture de chansons que la muse apparaisse ou non compte. Certains jours, l’écriture sera nulle, mais se présenter de manière constante entraîne ces muscles créatifs et rend les moments de percée plus probables.
Quand le doute de soi s’immisce, il vaut la peine de se rappeler que la vulnérabilité est en fait une force dans l’écriture de chansons. Les chansons qui touchent le plus profondément sont souvent celles qui ont fait peur à leurs auteurs de les partager. Les peurs, les insécurités et les imperfections ne sont pas des faiblesses à cacher. Elles sont les matières premières pour des chansons qui touchent vraiment le cœur des gens.
Développer un son signature ne signifie pas s’en tenir à un seul style. Cela signifie trouver les fils communs qui traversent tout le travail, indépendamment du genre. Commencer par une large expérimentation a du sens. Essayer d’écrire dans des styles qui semblent inconfortables. Si les chansons folk sont la chose habituelle, peut-être tenter de la musique électronique. Si le rock est la zone de confort, explorer les progressions d’accords de jazz pourrait être intéressant. Ces expériences ne deviendront pas toutes partie d’un son signature, mais elles élargiront la boîte à outils et aideront à comprendre ce qui semble vraiment juste.
Faire attention aux motifs dans l’écriture aide. Y a-t-il certaines progressions d’accords qui semblent naturelles ? Des intervalles mélodiques qui apparaissent de manière répétée ? Quels thèmes continuent d’apparaître dans les paroles ? Ces motifs ne sont pas des limitations ; ils sont les blocs de construction d’une voix unique. Une fois que quelqu’un les reconnaît, il peut les utiliser intentionnellement tout en continuant à se pousser à grandir.
Mélanger les influences demande un certain équilibre. Prendre ce qui résonne des artistes préférés mais le filtrer à travers une perspective personnelle fonctionne mieux que la copie directe. Si quelqu’un aime la narration de Bob Dylan et le style de production de Billie Eilish, essayer de ressembler à l’un d’eux n’est pas l’objectif. Au lieu de cela, demander ce qui plaît spécifiquement chez chaque artiste et trouver une façon personnelle d’incorporer ces éléments a plus de sens.
La cohérence dans le son vient de la compréhension des forces et des préférences, pas de la répétition de la même formule. Une signature pourrait être une certaine façon de créer des mélodies, une approche particulière des paroles, ou même les émotions que les chansons suscitent. L’objectif est de créer de la musique que les auditeurs peuvent identifier comme venant d’une seule personne, même en explorant différents styles et sujets.
Trouver une voix en tant qu’auteur-compositeur est une chose continue, pas une ligne d’arrivée. Cette voix changera à mesure que la croissance et le changement se produisent, et c’est exactement comme cela devrait être. Les chansons écrites aujourd’hui pourraient sonner différemment de celles écrites dans cinq ans, mais si rester fidèle à une perspective authentique se produit, elles seront toutes reconnaissables comme venant du même endroit. Continuez à écrire, continuez à expérimenter, et faites confiance au fait que cette voix unique vaut la peine d’être découverte et partagée avec le monde.
Chez Wisseloord, la compréhension est que développer une voix d’auteur-compositeur est à la fois un voyage personnel et professionnel. Qu’une personne fasse ses premiers pas dans une carrière dans l’écriture de chansons ou cherche à raffiner un style établi, cette perspective unique est le plus grand atout. Le monde de la musique a besoin de voix comme celle-là, des voix qui apportent des perspectives fraîches et des émotions authentiques au langage universel de la chanson. Grâce à l’apprentissage structuré dans notre académie d’écriture de chansons ou aux expériences collaboratives dans les camps professionnels et sessions d’écriture, les auteurs peuvent développer ces compétences aux côtés d’autres artistes dévoués.
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