Chaque genre musical possède sa propre atmosphère. La plupart des gens peuvent distinguer un morceau de reggae d’une chanson de métal en quelques secondes seulement, même avant l’entrée des voix. Cela s’explique par le fait que chaque genre a développé au fil des années sa propre collection de sonorités de référence et d’associations d’instruments.
Lors de l’apprentissage de la production musicale, il est vraiment utile de se plonger dans les morceaux de référence du genre. Observez comment les producteurs traitent différemment les sons de batterie en hip-hop par rapport au rock. Remarquez comment les synthétiseurs de synthwave ont cette sensation chaleureuse et rétro, tandis que les synthétiseurs d’EDM sont généralement brillants et percutants. Il vaut la peine de prêter attention à :
C’est là que les choses deviennent intéressantes : connaître les règles du genre est important, mais la vraie magie opère quand quelqu’un y ajoute sa propre touche. Peut-être s’agit-il d’une chanson folk avec quelques éléments électroniques subtils, ou de musique trap avec quelques accords de jazz intégrés. L’essentiel est de comprendre quand assouplir les règles par rapport au fait de les abandonner complètement.
Faire se mélanger les sons dans un mixage relève à la fois de l’art et de la science. Il s’agit vraiment de comprendre comment différents instruments occupent l’espace à travers la gamme de fréquences. Pensez à un mixage comme à une pièce où chaque son a besoin de son propre emplacement pour exister sans gêner les autres.
Les basses fréquences (20-250 Hz) abritent la basse et la grosse caisse. Ces sons constituent la fondation, mais quand trop d’éléments se disputent cet espace, tout devient boueux. Le médium (250 Hz-4 kHz) est l’endroit où vit la plupart du contenu mélodique – voix, guitares, claviers. Les hautes fréquences (4-20 kHz) apportent l’éclat et l’aération, avec les cymbales, la brillance vocale et le scintillement des synthétiseurs.
Au-delà des aspects fréquentiels, pensez à ces éléments lors du mixage des sons :
Conseil rapide : quand vous testez un nouveau son, écoutez-le toujours avec ce qui est déjà là. Un patch de synthétiseur peut sonner fantastique en solo mais complètement faux quand il est joué avec les autres pistes.
Commencer un nouveau morceau peut sembler assez intimidant, surtout quand on fait face à des milliers de presets et d’échantillons. Voici une approche simple pour construire une palette sonore solide sans se perdre dans tous ces choix.
Commencez par la section rythmique. Choisissez d’abord la grosse caisse car elle donne souvent le ton pour tout le reste. Ensuite, trouvez une caisse claire ou un clap qui fonctionne avec la grosse caisse sans rivaliser pour les mêmes fréquences. Ajoutez des hi-hats et d’autres percussions, en vous assurant qu’ils créent un groove qui sonne bien.
Une fois que la batterie fonctionne, passez à la basse. Qu’il s’agisse d’un synthétiseur, d’un échantillon ou d’un instrument enregistré, assurez-vous qu’elle s’emboîte avec la grosse caisse. Elles devraient former une seule fondation grave solide au lieu de deux éléments séparés qui se battent l’un contre l’autre.
Pour les couches harmoniques et mélodiques, essayez cette approche :
Rappelez-vous, les presets ne sont que des points de départ. N’hésitez pas à jouer avec les réglages de filtre, ajuster les enveloppes, ou ajouter des effets pour faire qu’un son s’intègre parfaitement dans le morceau.
Même les producteurs expérimentés tombent dans certains pièges lors du choix des sons. Connaître ces problèmes aide à les éviter.
L’une des plus grosses erreurs est de choisir les sons isolément. Ce magnifique piano à queue peut sonner splendidement seul, mais s’il occupe tout l’espace où les voix doivent se placer, ce n’est pas le bon choix. Testez toujours les sons avec le reste du mixage.
Un autre problème courant est de charger les arrangements avec des éléments qui sonnent de manière similaire. Trois sons de pad différents tous assis dans la même gamme de fréquences vont juste se transformer en bouillie au lieu d’ajouter de la richesse. Il vaut mieux choisir des sons avec un contenu fréquentiel et des textures différents.
| Erreur courante | Pourquoi cela arrive | Meilleure approche |
|---|---|---|
| Trop de sons similaires | S’emballer avec les options | Choisir des textures contrastées |
| Ignorer la dynamique | Se concentrer uniquement sur le timbre | Équilibrer soutenu et percussif |
| Masquage fréquentiel | Ne pas vérifier avec les autres pistes | Égaliser pour faire de la place à chaque partie |
| Dépendance aux presets | Avoir peur de changer les choses | Personnaliser pour s’adapter au morceau |
La dynamique compte aussi. Quand chaque son dans un morceau est compressé et fort, il n’y a ni contraste ni mouvement. Mélanger des parties percutantes et dynamiques avec des sons plus soutenus et fluides crée de l’intérêt et de l’énergie.
Choisir les bons sons pour les chansons est quelque chose qui s’améliore avec la pratique. Plus on y consacre du temps, plus cela devient naturel. Commencez par apprendre les conventions du genre, comprenez comment les sons interagissent à travers les fréquences, construisez des palettes sonores étape par étape, et attention aux erreurs courantes. Plus important encore, faites confiance à vos oreilles et n’ayez pas peur d’essayer de nouvelles choses.
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